.png){kind=small}
19 exposicions a Barcelona
Los Mares Vuelven a Ser Montañas
El Reverso del Paisaje
SPIRITUS MUNDI
10X
INSTITUT D'ESTUDIS FOTOGRÀFICS
DE CATALUNYA
Specimina
A Topography of Micro Planets
Ferida Espectral
The Corridor of Eclipses
Sin Título
Elements: Fire
Mind Games
In the Raw Wind of the New World
The Distortion of Pain
Clouds Revealed
Share or Dye Europe Wide
Agora, Escola d'Experimentació
Impressions Efímeres. Redescobrint la Visió Experimental de William Henry Fox Talbot
Los Mares Vuelven a Ser Montañas
Abans, els mars eren mars i les muntanyes eren muntanyes.
Després, els mars van ser núvols i les muntanyes van ser pedres.
Ara, els mars tornen a ser muntanyes i les muntanyes tornen a ser mars.
Impressions Efímeres
Redescobrint la Visió Experimental de William Henry Fox Talbot
Aquesta exposició posa de manifest la visió pionera de William Henry Fox Talbot com a científic, inventor i "pintor amb la llum". Basant-se en els experiments fonamentals de Humphrey Davy i Thomas Wedgwood el 1802, Talbot es va embarcar en viatge de proves i errors per desenvolupar un mètode per fixar les imatges captades a través de la càmera oscura. En lloc de posar l'accent en la representació de la realitat com a producte, aquesta exposició presenta les obres menys conegudes, les que exploren els principis fonamentals de la fotografia mateixa. A través de la presentació de les seves contribucions més innovadores, l'exposició convida els espectadors a reavaluar el segle XIX com els inicis de la fotografia experimental.
Pablo Giori
director de l'Àgora, Escola d'Experimentació
SPRITUS MUNDI
L'era industrial va col·locar l'Home com a dominador del seu entorn.
En els darrers anys, hem esterilitzat els nostres cossos, els nostres hàbitats, els nostres terres...
Però, sabem que la majoria d'aquests bacteris que ens disgusten són essencials per a la nostra supervivència? Que un cos o un sòl viu i sa es deu a l'equilibri del microbiota?
L'emergència climàtica ens demana de posicionar-nos, sortir de la jerarquia piramidal que ens separa del geni natural i integrar-nos a un sistema horitzontal on l'home i el seu entorn treballen en simbiosi. Per això és fonamental reconnectar amb la nostra naturalesa.
Els mecanismes biològics i químics que ens envolten estan tancats a l'espai científic regit per regles estrictes i destinat als iniciats.
A través de l'experimentació busco obrir les fronteres de la ciència, per oferir al públic una experiència que connecta la poètica de la vida amb els somnis. Apropiar-me d'eines i de tècniques científiques em permet restablir els vincles entre l'ésser humà i el seu entorn. Exploro i va crear obres sistèmiques on el material, la vida, el i l'humà són interdependents.
Pura vida.
El Reverso del Paisaje
El Revers del Paisatge és una exposició que reuneix una sèrie de Llibres Fotoquímics d’Artista realitzats en Goma Bicromatada, tècnica fotopictòrica del S. XIX. Mitjaçant d’un treball sobre el color, la matèria fotosensible i intervencions en la seva arquitectura, en aquestes obres es posa en diàleg imatges de paisatges en trànsit, de recorreguts en fugida i fragments de vora del camí. Així es despleguen com a poètiques visuals que involucren el joc amb el temps, en passar les seves pàgines i llegir visualment seqüències suggerents sobre experiències del recorregut, i el paisatge com una constant transformació.
A Topography of Micro Planets
Aquest projecte va ser creat mitjançant la col·laboració amb cultius microbians a la superfície de pel·lícules fotogràfiques per crear nous Micro Planetes que funcionen com a estudis topogràfics de paisatges microbians. Les imatges presentades actuen com a col·laboracions entre espècies que transcendeixen l’ecologia terrestre per reflectir com podria ser la vida en altres planetes i en escales molt diferents. Al costat dels Micro Planetes, Imogen presenta l’efímera de les plaques de Petri del seu procés científic, il·luminades com a caixes de llum que inciten al públic a mirar cap avall en aquests objectes de curiositat, com si estiguessin mirant a través de l’objectiu d’un microscopi observant els petits mons mostrats a través de les fotografies.
Specimina
Aquestes escultures de Figures, similars a l’origami i vivament colorades, es produeixen utilitzant pel·lícula fotogràfica en blanc i negre. Cap d’aquests colors és la funció prevista del material, sinó que més aviat, emergeix a través d’un procés material experimental. Per crear aquestes obres, la pel·lícula es doblega i s’exposa al sol durant un període de temps abans de fixar-la i rentar-la per aturar l’exposició. L’abast particular de colors en cada peça depèn del tipus de pel·lícula, el temps d’exposició, la qualitat espectral de la llum, el nombre de capes doblegades, la temperatura i altres factors ambientals. Cada Figura representa una adaptació específica a les lleis de la geometria plana, juntament amb les contingències físiques de la llum i la química incidental.
Elements: Fire
Elements és un projecte que busca estudiar la profunda connexió de tot, explorant i documentant la transformació que succeeix quan els elements interactuen amb negatius fotogràfics. En intervenir amb aigua, foc, aire i terra, el projecte tracta de descobrir les històries ocultes i la poesia visual incrustades en la natura. Aprofundint en la imprevisibilitat i la causalitat dels processos fotogràfics analògics, permetent que els elements deixin la seva marca distintiva en la pel·lícula, capturant així l’essència mateixa d’aquestes forces elementals. Cadascuna d’aquestes imatges és un testimoni visual de la dualitat del foc (destrucció i creació, passió i calma, llum i foscor…), i una manifestació del poder de transmutació latent en la pel·lícula que, en ser exposada a aquest element, resulta en colors, formes i textures inesperades. Aquesta exposició és un reconeixement de la força i fragilitat, una invitació a reflexionar sobre la naturalesa efímera de la nostra existència i la constant transformació que defineix la nostra realitat.
Clouds Revealed
Les núvols són fascinants. Tenen una aparença romàntica i somiadora, però també poden ser aterridores i amenaçants. Les núvols són indeterminades, no tenen una ubicació específica i estan en constant moviment. Segons la professora Laurie Santos de la Universitat de Yale, mirar les núvols durant 10 minuts cada dia et fa més feliç. Veiem figures en elles, de vegades mons sencers, i podem somiar amb elles. No obstant això, les núvols semblen moure’s cap als pols i més alt a l’atmosfera, la qual cosa les fa menys efectives per refredar la terra. En el tema del canvi climàtic, són la “carta salvatge” perquè és difícil ubicar les núvols en els models informàtics. Relativament parlant, són massa petites i canvien ràpidament, la qual cosa les fa difícils de “tocar”. Entre altres coses, els científics estan buscant formes de fer créixer les núvols per ajudar a refredar la terra. Amb aquestes obres, Hilde Maassen vol que les persones mirin les núvols de manera diferent, més conscientment, com a part del canvi climàtic, perquè sovint les donem per descomptades en la vida diària. Al mateix temps, crear obres en les quals les persones puguin somiar de nou, viatjar de tornada en meravella, estirats a la gespa, reconeixent figures en les núvols.
10X
Al 2021, vaig conduir a través dels Estats Units fent fotografies i captures multimèdia del territori i de la gent. Durant aquest viatge, vaig experimentar amb una varietat de tècniques fotogràfiques per explorar els límits de la documentació com a pràctica. Per accident, vaig activar un mode de càmera que superposava deu exposicions diferents en una sola. Aquest útil accident va produir imatges interessants que combinaven múltiples perspectives, enquadraments i barreges de colors. En alguns casos, l’efecte era força bonic. Des de llavors, he utilitzat aquesta tècnica d’exposició múltiple en molts projectes. He perfeccionat el meu enfocament i un vocabulari visual expressiu amb ell. Totes les imatges es produeixen dins de la càmera utilitzant deu exposicions. No s’utilitza programari d’ordinador ni eines d’IA. El que veu l’espectador és el que es va produir al camp.
Ferida Espectral
Podem accedir, a partir de la fotografia, a passats no registrats?
Com milions de persones mestisses a Amèrica Llatina, el meu origen és l’oblit. A partir de imatges efímeres exploro com el procés de colonització d’Amèrica Llatina va determinar la desaparició de cultures natives i africanes en favor de la instal·lació de la cultura Europea i el seu domini del territori americà; la qual cosa ha deixat una ferida espectral en els nostres cossos: la configuració del nostre rostre demostra que el nostre origen és la colonització, la seva violència i l’oblit que implica. Conjuro visualment un passat al qual no he pogut tenir accés i invoco als fantasmes perquè tinguin una presència imatgètica en altres temporalitats i no permetre que siguin, una vegada més, oblidats. Aquestes obres resumeix la dificultat per accedir a la informació sobre els orígens en contextos que van patir processos de colonització amb mestissatge i la dificultat en configurar identitats que descansin en alguna història més digna que la de ser el producte d'una presa violenta de territori. Amb aquest ritual desfotogràfic qüestiono aquella visió romantitzada del mestissatge que el senyala com una simple “trobada” entre cultures i ètnies.
Mind Games
He estat utilitzant la fotografia estenopeica com a expressió artística des del 1993. La sèrie Jocs Mentals va començar el 2005 i és el meu primer treball important en color amb fotografia estenopeica. Quan vaig començar a utilitzar la càmera Pinhole Blender de tres forats, vaig sentir que era una bona eina per crear històries. Normalment, busco tres escenes o objectes que d'alguna manera vagin junts. Cerco humor, ironia i declaracions socials en combinar les tres imatges en una fotografia. A vegades, la imatge central és prou forta com per destacar per si sola; les imatges laterals s'utilitzen per aïllar el subjecte del seu entorn normal, atraient així l'observador al punt de poder central. El collage resultant de tres imatges superposades es crea a la càmera analògica, no en un ordinador. Després de capturar les imatges, porto la pel·lícula negativa en color de format mitjà de 120mm a un laboratori perquè la revelin. Llavors, escanejo personalment els negatius a l'ordinador, processo els colors i els imprimeixo amb un sistema d'impressió inkjet de qualitat d'arxiu. Les fotografies d'aquesta sèrie van ser preses entre 2005 i 2011 i van ser exposades en cinc exposicions individuals a Tòquio, Kyoto i Chiba, al Japó, el 2011-2012 i publicades com a llibre el 2019.
The Distortion of Pain
Aquesta sèrie té com a objectiu articular el dolor i la interrupció que es compta als meus sentits en tractar amb migranyes cròniques. Cada fotografia passa per un procés deliberat però incontrolable de deconstrucció a través de resistències col·locades a la imatge mentre està submergida en la química tradicional de gelatina de plata. El meu procés reflexa la tensió constant entre l'ordre i el desordre, igual que l'equilibri interromput dins el cervell durant una migranya. La distorsió simbolitza els moments fracturats de la vida afectats per la lluita invisible, capturant l'essència del dolor que impregna tant els regnes físics com emocionals. Més enllà de la mera representació, el meu treball té com a objectiu convidar els espectadors a comprendre els desafiaments profunds enfrontats per aquells que naveguen la vida amb dolor crònic. En empènyer els límits de la fotografia tradicional, busco amplificar el silenci que sovint envolta aquest trastorn neurològic. A través de la interacció d'imatges manipulades, convido als espectadors a presenciar l'esperit d'aquells que suporten l'impacte implacable del dolor crònic, reconeixent la força requerida per navegar un món que sovint malinterpreta el profund impacte d'una lluita invisible.
Sin Título
Aquesta exposició qüestiona la necessitat generalitzada que existeix avui dia de definir-nos constantment. De crear un perfil detallat que determini qui som com a carta de presentació per al món i que això ens defineixi per a tota la vida. Categoritzem les persones com si fóssim productes. M’he trobat a mi mateixa allargant el procés de cerca de la meva identitat. He caigut en la típica frase de “trobar-me a mi mateixa”, fent d’aquest un procés lent i complicat. Quan realment és una cosa molt més senzilla. Ho porto dins. La meva identitat està intrínseca en mi. Només he de ser. De la mateixa forma, he volgut representar la separació del subjecte del seu context, que parteix de la meva necessitat d’allunyar-me del meu entorn perquè aquest no em defineixi. He usat el procés tècnic com a reflex del meu procés personal. Passant de físic a digital, i viceversa, múltiples vegades i manipulant la imatge en cadascuna d’aquestes etapes amb la intenció de “desgastar” la imatge cada vegada més. Allargant un procés que podria ser molt senzill.
The Corridor of Eclipses
The Corridor of eclipses és un temps estrany i misteriós. Gairebé atemporalitat entre els eclipsis solars i lunars. El concepte, descrit detalladament en l’astrologia, en l’art es converteix en una metàfora de l’estat d’una persona i del món que l’envolta, en el qual no hi ha equilibri. La desintegració tràgica i el renaixement increïble, la destrucció i la restauració: tot és possible durant aquest període, que inevitablement ocorre dues vegades a l’any. Aquesta sèrie fotogràfica és una reflexió profunda de l’artista sobre el nostre món, que en aquest període es troba en el llarg The Corridor of Eclipses. El món, que té milers de possibilitats de desenvolupament, cau i s’ensorra en guerres sense sentit i batalles pel poder i els diners, però crec que sortirem del corredor fosc cap a la llum i arribarà un gran renaixement del nostre món. Curador: Víctor Senkov.
In the Raw Wind of the New World
In the Raw Wind of the New World una commovedora exposició de Ng Yuk Tsang, captura l’essència dels records transitoris en el nostre món dominat digitalment, centrant-se en els matisos de la seva passada relació a llarga distància des de Londres fins a Hong Kong. Aquesta sèrie, inspirada en les experiències personals de Ng i les percepcions de L'Agonia d’Eros de Byung-Chul Han, reflexiona sobre les implicacions socials de les diàspores modernes i la naturalesa omnipresent de la cultura de la imatge en un context globalitzat. A través dels seus arxius fotogràfics, Ng explora la paradoxa de les abundants fotos íntimes després de la relació, reflexionant sobre el desapego de l’amor enmig dels avenços tecnològics. L’exposició crea intricadament un entorn reminiscent dels espais de vida transitoris de Ng a Londres, espais que, encara que no eren llar, van servir com a refugis temporals durant els seus dies d’estudiant. Aquesta configuració fusiona l’ambient del seu dormitori amb les restes de llars en moviment, caracteritzats per cinta adhesiva i fragments de fotos deixats a les parets. Aquesta obra no només explora les profundes experiències de la relació a llarga distància de Ng, sinó que també aprofundeix en els impactes socials més amplis del nostre món interconnectat però físicament distant. A través del seu art, Ng convida als espectadors a contemplar l’essència de la memòria, la naturalesa transitoria de les relacions i el potencial de la fotografia per tancar la bretxa entre el desapego digital i les connexions emocionals tangibles.
Share, Tag or Dye Europe
Tots vosaltres que us vau unir vau contribuir amb un enllaç dels vostres feeds de xarxes socials per ser portats a la “matèria” utilitzant una tècnica del segle XIX, el cianotip, és a dir, una tècnica basada en sals de ferro que són sensibles als raigs UV, produint una impressió blau profund. La tècnica s’atribueix a Sir John Herschel (1842), encara que ell la va utilitzar principalment per reproduir notes. Va ser una dona qui primer va utilitzar aquest procés sota una aproximació fotogràfica: la botànica Anna Atkins, en la seva obra Photographs of British Algæ: Cyanotype Impressions. Aquest també és el primer llibre amb il·lustracions fotogràfiques, força genial, veritat? Alguna vegada has sentit que el temps que passes a les xarxes socials promocionant el teu treball és molt més llarg que el temps que passes realment treballant, i tot i així, el teu treball no es veu? Vam fer aquesta mateixa pregunta l’any passat per aquestes dates. 2 anys després de llançar la primera edició de Compartir, Etiquetar o Tenyir, seguim sentint-nos així. Així que seguim amb el nostre deure i seguim preguntant, ja que sembla que no som els únics amb aquest dilema. ¡En les primeres 2 edicions, més de 500 persones de més de 40 països de tot el món es van unir a nosaltres per Compartir, Etiquetar o Tenyir! ¿Vas estar entre ells? ¿Sí? ¡Doncs, ens alegra (tornar a) veure’t! ¿No? ¡Doncs, ara és el teu moment (una altra vegada)! Només que aquesta vegada, anem més grans. És a dir, 5 ubicacions en 3 països. ¡Compartim, Etiquetem o Tenyim a tota Europa!